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Semillas en campos ajenos

Poesías, prosa, reseñas y fotografías de Pablo Antonio García Malmierca

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Reseña

Degustación del poema. Reseña de “Ritmo latino”, Jorge Barco Ingelmo. Visor: 2017. (XV Premio Emilio Alarcos).

 

 

Una sorpresa es la parte poética

del libro invisible. El hilo de fe

que se reserva a las erratas. Nota

a pie que descorazona al destino.

Rafa Pontes

 

 

Jorge Barco Ingelmo comenzó su andadura poética haya por el año 2000 con los  cuadernos de poemas: El rastro de mis lágrimas y Recuerdos de lo mío y de lo ajeno. Los poemarios Algún día llegaremos a la luna y Vivimos encerrados en burbujas transparentes. En el año 2013 vio la luz su poesía reunida que abarcaba los años 1998 a 2013 en el volumen El principio celular.

Además de ganar con Ritmo latino el XV premio Emilio Alarcos, anteriormente fue galardonado con el Premio de la Academia Castellana y Leonesa de Poesía por Algún día llegaremos a la luna.

Acercarse al universo de Jorge Barco solo se puede hacer con un gran bagaje cultural, en su poesía se da cabida a la alta y baja cultura por igual. Son continuas sus alusiones a los clásicos latinos, probablemente fruto de la lectura del poeta José Antonio González Iglesias, al que alude en uno de sus poemas diciéndonos que, y cito literalmente, es “su marca de vitaminas favorita”. Junto a estas referencias clásicas aparecen otras como citas a canciones de Shakira, Carlos Boyero o Chayanne.

Podría parecer esta forma de intertextualidad un totum revolutum, pero en el caso de Jorge no es así. Todas estas referencias se articulan en una voz que se vuelve peculiar. La mixtura afecta también al lenguaje y con gran habilidad se hace poesía con el lenguaje publicitario de los anuncios por palabras, con una receta de cocina o con una carta más que directa a un editor de poesía. Jorge se adueña de lo que algunos lingüistas llaman textos de desecho y los eleva a literatura, a alta literatura. Esta técnica hace que Ritmo latino sea a la vez un texto fresco y sorprendente.

El otro gran valor del libro, a mi juicio, es la adecuada utilización de un recurso tan complicado como la ironía. Se interrelaciona de forma sorprendente con los distintos niveles del lenguaje y es, a mi modo de ver, un acierto. No es lo mismo ironizar sobre algo tan serio como el mundo clásico en “Medea la de los grandes pechos”, texto de contexto clásico, que si lo hacemos usando el lenguaje directo de un anuncio por palabras. Se logra la desautomatización del mundo mitológico al insertarlo directamente en algo tan prosaico como “Mil anuncios”.

Sin embargo, el libro no agota aquí sus virtudes. En estos tiempos de lo que se ha dado en llamar “porn-food”, fenómeno tan visible en las redes sociales. Jorge añade esta, digamos, forma de contar al poema. El libro, el poema, deja de ser objeto de consumo cultural para pasar a ser devorado literalmente. Para ello, de nuevo, se recurre a la apropiación del lenguaje de otros ámbitos de la vida para pasarlo por el tamiz de Ritmo latino. Los juegos de citas tienen también un papel importante y a la altura de Ovidio vemos al propio Ferrán Adriá.

Abundan además las referencias a la cotidianeidad del poeta, a una realidad que nos presenta de una forma crítica, que se presenta de forma más efectiva al utilizar gran cantidad de elementos de la cultura mainstream, para pasarlos, en una metáfora que al propio autor le agradaría, por la batidora, para conseguir una nueva receta de la poesía.

Es este un libro más que fresco como ha dicho el jurado del premio Emilio Alarcos, novedoso; por la forma de poetizar la realidad, por crear una nueva desautomatización de la vida a través de sus elementos más comunes. El cine, la música, la televisión, en definitiva la cultura popular pasada por el tamiz de los clásicos han hecho de Ritmo latino una delicatesen elaborada con alimentos que podríamos encontrar en cualquier supermercado de barrio.

Después de saborear la poesía de Jorge Barco, os quedaréis con ganas de más.

Pablo Malmierca. Aldealengua, 10/6/2017.

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El temblor ante una nube. Reseña de “Nubes de evolución”, Luis Ramos: Piediciones. www.piediciones.es

 

 

Ha amanecido. Y cada esquina canta,

tiembla recién llovida. Están muy altos

el cemento y el cielo.

Me está llamando el aire con rutina,

sin uso.

El violeta nuevo de las nubes

vacila, se acobarda. Y muy abiertas

vuelan las golondrinas y la ciudad sin quicios,

el bronce en flor de las campanas. ¿Dónde,

dónde mis pasos?

Tú no andes más. Di adiós.

Tu deja que esta calle

siga hablando por ti, aunque nunca vuelvas.

Casi una leyenda, Claudio Rodríguez.

 

 

Pese a su pequeño tamaño este libro se despliega de forma asombrosa cuando comenzamos a leer sus páginas, conforme nos vamos adentrando en él descubrimos una poesía que trata de des-velarnos la realidad oculta a los ojos de múltiples formas.

En este poemario se ofrecen una serie de claves que nos servirán para poco a poco conocer mejor el mundo que nos rodea y por ende a nosotros mismos y a nuestros semejantes. Todos podemos contemplar la realidad, el mundo se nos ofrece tal cual es, pero aquí “Nubes de evolución” nos insemina con una serie de dudas de carácter existencial y yo diría que hasta ontológico. El mundo como diría Claudio Rodríguez es materia y luz, pero ¿cómo interpretarlo? Aquí se articula el discurso que entronca la idea central de la obra, de una forma muy claudiana el mundo toma su verdadero cariz en dos momentos únicos y efímeros, el crepúsculo y el amanecer; en estos dos momentos las formas toman consistencia más allá de la materia, las sombras toman todo el protagonismo y la luz disuelve los contornos en una forma nueva, es decir, nos desvela el verdadero cariz de los objetos que nos rodean. Sin embargo, como sabemos desde Platón, un mundo de sombras puede ser engañoso, la caverna no deja ver las verdaderas formas. Pues bien, aquí aparecen otras dos formas de conocer la realidad: el reflejo, elemento otorgado por el agua, y el aire como elemento definidor de la materia, Luis toma la voz del filósofo y nos lanza la cuestión de que es el oxígeno que contiene el cántaro la verdadera forma del cántaro, ¿qué define a la realidad, el continente o el contenido? Y todo esto con qué fin os estaréis preguntando, pues bien el agua y la luz como creadoras de significado. El agua es la piel del poema, reflejo cristalino de la vida. Juego del espejo y las sombras. La realidad desvelada en sus formas secundarias, el reflejo del cristal y la sombra proyectada por la luz.

Llegados a este punto aparece el poema recubierto por el agua, por el reflejo de las cosas y sus sombras. Será el canto y no la palabra (el borde de las sílabas, el abrazo de la voz, el clamor de la brisa emocionada) : la música de las palabras. Y el  silencio que dota a la palabra de un significado más potente, sin silencio no habría música. Sin sombra no habría luz, sin reflejo no existiría la imagen. Sin el aire que contiene el cántaro no habría cántaro. Somos yo, pero también él y tú, será el amor el que nos mueva hacia el otro.

Y es aquí donde brota la poesía, después de todo este despliegue conceptual, Luis se para en los seres y objetos más humildes, la gota de lluvia, la brizna de paja, la flor, la libélula, todos ellos frágiles y caducos como el ser humano. Si algo llama la atención de la voz poética es la continua interpelación al lector, no estamos ante una escritura que simplemente se regodee en la belleza, en la contemplación de una realidad subjetivizada. En un determinado momento se nos dice “tu sombra es el camino”. Busca mover al lector, hacerle partícipe de una alteridad que se ha conseguido a través de un sentimiento tan humano como el amor.

Esta búsqueda se realiza a través del gesto, el gesto y su corolario el tacto, que como diría Jean Luc Nancy es el sentido total, pues permite sentir al otro, acercarnos a la realidad, pero este conocimiento nunca es completo, ya que podemos acercarnos, pero nunca llegamos a tocar el objeto. El gesto necesita a su vez un motor el temblor, producido por una pulsión de muerte, que se transforma en contemplación de la naturaleza activa en este proceso de conocimiento.

Este proceso de conocimiento del otro, que también lo es de la realidad es siempre ascendente, como corresponde a alguien que ve la vida con el optimismo de un luchador por las injusticias. Desde el propio título, se nos habla de nubes, hasta las continuas referencias a las flores o a elementos verticales que indican el optimismo vital de la voz que ha creado aquí el poeta, marcada por la llamada a la acción ante la imperfección del mundo que nos rodea. Pese a su carácter más lírico, este libro tiene mucho en común con su anterior obra “Entre cunetas”, dedicada a los muertos en la Guerra Civil y que todavía siguen tirados en los campos de España.

Junto a este cuerpo central del poemario, aparecen también referencias a la poesía comprometida, toda poesía debe ir unida a un compromiso ético, no olvidemos que para Luis es un tema fundamental. Aparece también la crítica a otros aspectos más localistas como la situación de Zamora, su ciudad, tema que le preocupa desde su faceta más política.

La densidad temática en ningún momento merma la calidad literaria de la obra, todo el poemario es un excelente ejercicio de musicalidad, con una cadencia y un ritmo muy logrados, lo que unido a un cuidado casi artesanal del lenguaje hacen de este libro una lectura muy recomendable, tanto por su faceta literaria como ética y humana.

Este libro se abre como el amanecer y se cierra en un crepúsculo que no dejan de ser el momento decisivo en que podemos conocer, desvelar el mundo, los momentos en que las sombras toman posesión de todo y, por tanto, observamos el mundo en todas sus dimensiones.

 

 

Distancia de ti a mí,

distancia.

Entre tú y yo,

nada.

Valorio 42 veces, Agustín García Calvo.

 

Pablo Malmierca. Aldealengua, 2/6/2017.

La negatividad positiva, reseña de GAS de Vicente Muñoz Álvarez

La negatividad positiva, reseña de GAS, Vicente Muñoz Álvarez. Ediciones Lupercalia, 2016.

Escribir sobre veinte años de carrera reducidos a 271 páginas se traduce en una labor difícil, tan difícil como la del antólogo, es este caso el propio autor. Sin embargo, quien mejor que uno mismo  para resumir cinco poemarios publicados y dos inéditos que su mano creadora.

Canciones de la gran deriva, Privado, Parnaso en llamas, Animales perdidos y Días de ruta, marcan el camino poético de uno de los grandes poetas subterráneos de las últimas décadas. Vicente Muñoz Álvarez ha conseguido crear una línea narrativa que convierte a GAS, no en una mera selección de textos, más bien podemos hablar de un título diferente en su trayectoria literaria. GAS ofrece su propia visión de las cosas, se lee  como un texto unitario, donde el autor muestra su evolución personal y poética. Pues eso es la poesía de Vicente Muñoz Álvarez: una visión introspectiva del mundo que le rodea, que conforme avanza en el libro se va depurando en lo personal y lo formal.

Para quienes no conozcan con anterioridad su obra, GAS despliega una línea cronológica y narrativa, desde el punto de vista existencial, muy clara. Vicente nos guía por su rico y dicotómico mundo, como el lazarillo que acompaña al ciego, en un paseo literario por su poesía tan rico como sugerente, donde la premisa “escribir es quemarse vivo” nos acompaña hasta el final.

Canciones de la gran deriva (1999-2012) es el retrato de un momento, de un lugar, de una persona, predomina la poesía de carácter narrativo y el análisis social. Antes calificaba la poesía de Vicente Muñoz de dicotómica, el mundo, la sociedad analizada es a la vez interior y exterior, introspección y extroversión a partes iguales. Estos dos mundos, este microcosmos y a la vez macrocosmos personal se dan la mano en el poema central “En el puerto”.

Estamos ante una voz poética dominada por la nausea de existir, que encuentra la belleza en lugares donde otros poetas nunca la buscarían, en un fotograma de Nekromantic 2, film necrófilo donde los haya.

Esta voz tiende hacia la sencillez formal, voz despojada que calificaría de metafísica en muchos momentos.

Articulados los distintos libros como parte de un todo, Canciones aparece marcado por el paso del tiempo y el peso que el presente y el pasado pueden tener sobre el futuro, cómo las opciones vitales no pueden llenar el vacío existencial del poeta.

En línea con esta obsesión por el tiempo o la memoria como losas absolutas del presente se abre la segunda parte de GAS, que corresponde al poemario Privado. Se nos invita recogiendo al viejo tópico del Carpe Diem a vivir el presente desde la pluralidad de las vidas que nos quedan dentro. Pero el pasado siempre está ahí, desde la ironía con que se va la niñez, la realidad se convierte en un sueño y el poeta trata de huir del tiempo, del esplín que nos marca. Pero junto a este spleen, siempre introspectivo, vuelve la crítica y la denuncia social.

Fruto del enuii vital la voz poética siente cómo ha perdido el paraíso, como su tiempo ha sido expropiado y desde ahí solo hay un paso hacia la alienación por el trabajo, rechazada de plano.

En este punto aparece el cuerpo, primero como tumba del yo y cárcel interior. Después tras reflejar la deriva interior, tras días de tregua, el cuerpo se transforma en templo contra la agresión exterior, será la única vía de salvación.

Este viaje guiado hacía la poesía de Vicente Muñoz Álvarez tiene su siguiente parada en Parnaso en llamas (2006), el enuii, la sensación de vacío hace partir esta estación de sentimientos negativos como la insatisfacción, la soledad o el resentimiento hacia una búsqueda de la luz fuera de ese interior destrozado, una luz que al final del libro es ya ensoñación.

Hablamos de insatisfacción por lo que pudo ser y no fue, la soledad, los conflictos y el inevitable vacío. La espera se convierte en esperar y no encontrar. La soledad provocada por la obligación de ser todos igual provoca una evasión hacia lo profundo.

El camino del escritor no puede ser otro que crear, disentir y volar, construir su propio camino.

inicio a la vida desde la oscuridad

del miedo hacia la luz

Avanza GAS hacia su siguiente estación Animales perdidos (2012). La voz poética, fuertemente autobiográfica parte de su estado anterior: la soledad. Se rompe su mundo, la pareja, la ciudad se sustituye por el extrarradio.

Continuamos solos pero nunca ajenos al mundo, la denuncia social, la mujer sola en la gran urbe como paradigma de animal perdido.

En este punto aparecen los dos animales capitales: la oveja negra y el perro de lluvia. La literatura se convierte en oficio y salvación, los poemas son la tabla de salvación de nuestro naufragio personal

Frente a la soledad, la resistencia como forma de vida. La memoria erosiona, desgasta, cansa, es el hogar del engaño, lo único que nos queda es el poema. El yo se fragmenta, se rompe, aparecen el poeta y el vendedor como trasuntos del yo poético.

Ese pesimismo ahonda en el texto. Todos estamos muertos y pagamos la hipoteca de estar vivos. Aunque no todo es negativo, como he dicho el poema es salvación al igual que el amor hacia el otro, dar y recibir. Llegamos así al paradigma de  la libertad, dos perros vagabundos viviendo en pareja en el bosque, ajenos al mundo.

GAS como poemario unitario tiende a despojarse de todo lo accesoria, en lo formal y en el contenido:

la budeidad

del bosque

de piedra

Y así,

las palabras

son semillas

que germinan

como flores

carnívoras

en el subconsciente

Si es la palabra la que nos salva, Días de ruta (2014) se convierte en la apuesta suicida por la literatura. Vivimos sin libertad, domina la ley del más fuerte, la herencia nos determina. La solución es escribir poesía o perderse en el mundo, no existen más opciones.

Es este el punto donde los opuestos cobran todo su significado, Vicente como vendedor vive en un mundo de soledad, melancolía, frustración, donde convergen ideas recurrentes: el suicidio, la servidumbre o el miedo. Un camino equivocado donde todo se convierte en pura teleología, importa el fin, la meta. Y es ese fin el que le lleva al fondo, al final de ese otro, y en ese momento nace su verdadero oficio, su adicción, la escritura que se transforma en embriaguez y su correspondiente resaca, en penuria.

Se convierte en Días de ruta la escritura en biorritmo vital del autor, el uso de contrarios nos sumerge en sus altibajos. Frente al vendedor, el poeta recicla la mugre de la sociedad, loes poetas son los perros de lluvia: marginados, iluminados, auténticos.

Hablábamos al principio de que escribir es quemarse vivo, en este libro el alma del hombre ya está ardiendo. La realidad nos ancla al suelo y el sueño nos hace alzar el vuelo.

Podríamos resumir la voz poética de Vicente Muñoz Álvarez con una dicotomía: la negatividad positiva. Todo se reduce a un juego de máscaras donde la rutina del otro, del vendedor, se diluye en la identidad que proporciona la poesía. Llegamos así al gran axioma que marca transversalmente GAS, “Yo es otro”, y es la noche la que aporta paz y tranquilidad al poeta.

Hasta aquí la primera gran parte de GAS que funciona como un todo, un camino introspectivo, de búsqueda continua, para llegar al puerto que marca Lobos de mar. La voz poética ha pasado de vivir en una gran deriva a ser un experto marinero.

El destino aparece marcado por la palabra, piedras que unidas dan destino a la poesía. Estamos ante un libro mucho más experiencial que el resto, la realidad es mentira y nuestra obligación es construirla de nuevo, una realidad habitada por hombres lobo-cordero. El comienzo de lo nuevo siempre es la pérdida, lo nuevo que no sabemos buscar. Todo es cambiante a nuestro alrededor, no hay nada inmutable, incluso el amor. El pasado se presenta como nostalgia, lo que permanece es la tristeza que queda en el corazón. Esa relatividad hace que el yo sea la única tabla de salvación frente al mundo, un yo que en su interior es una marea cambiante y en el exterior el mayor crimen para los demás. Debemos tener la libertad de elegir, de ser. Al final no somos más que pantalla de nuestra vida, perdemos la capacidad de ser actores. Todos nuestros actos son una mera distracción para olvidarnos de la muerte.

El éxito y el fracaso siempre van de la mano y oscilan, el tópico del Fortuna imperatix mundi en todo su esplendor.

La poética de Vicente puede resumirse en dos versos de este poemario:

…te has desnudado

y vaciado sobre el papel

La conclusión del poeta no puede ser más clara, el amor es la salvación del hombre, lo demás ceniza. Quedan algunos amigos, amores, poetas, algunos lobos de mar.

Finaliza GAS con Libro de haikus. Recopila todos los temas que obsesionan a Vicente Muñoz Álvarez: dualidad, paso del tiempo, amor, mundo, muerte…

Se produce la decantación absoluta de su poesía, proceso iniciado en el principio de la antología. La antítesis como figura central que recorre toda la producción de Vicente Muñoz Álvarez, que nos hace oscilar entre la realidad y el deseo, la vida y la literatura. Pues eso es GAS, nada más y nada menos que se diría, vida y literatura en estado puro.GAS

La fuerza del odio, reseña de “La leyenda del cantero de Salamanca”.

Acercarse a un género como las leyendas y hacerlo atractivo a los nuevos lectores es algo difícil de lograr. En “La leyenda del cantero de Salamanca” se consigue de una forma acertada.

La narración respeta los elementos característicos de estos escritos: elementos fantásticos, historia real, acción centrada en un personaje (en este caso el cantero Esteban), estar insertado en un momento y un tiempo determinados (Salamanca, durante la construcción de la Catedral Nueva). A estos elementos su autor ha añadido una narración muy didáctica que hará la delicia de los lectores que quieran ampliar sus conocimientos sobre cómo se vivía en la Salamanca del siglo XVI, la estructuración del trabajo en el gremio de los canteros, los distintos tipos de vivienda, e incluso una descripción urbana de la ciudad.

Se podría decir que el didactismo puede convertirse en un freno para el ritmo de lectura del texto, pero no es así. Las digresiones didácticas se insertan en momentos del texto que no son fundamentales para la acción. Nos encontramos ante un narrador que se adecúa perfectamente a la tipología de la leyenda, no sólo nos cuenta, sino que además nos enseña, nos muestra, nos acompaña en ese viaje virtual que es “La leyenda del cantero de Salamanca” por una época pasada.

Tiene la virtud esta voz creada por Alberto Rubio Blanco de introducir un vocabulario actual que en ningún momento chirría con la historia. Atreviéndose incluso a incluir un pasaje sexual explícito. Este suceso es el que, a mi juicio, da mayor frescura al libro. Sin ningún tipo de rubor a imitación de las novelas más actuales la pareja protagonista, Esteban y Leonor, tiene un encuentro sexual que es narrado con naturalidad y constituye uno de los clímax del texto.

Al tratarse de un texto breve los personajes principales, incluido el antagonista de Esteban están trazados de forma sutil pero clara. Con unas pocas líneas sabemos cómo son o cómo van a actuar en un futuro.

“La leyenda del cantero de Salamanca” es una historia de celos, amor, ocultación, de justicia poética. Todo ello en un ambiente duro para Esteban, hombre que persigue la felicidad y que cuando cree encontrarla sufre la desdicha del rechazo. Un texto sobre la otredad, sobre lo difícil que se hace aceptar a los que son diferentes, sobre el odio que durante mucho tiempo vivió en la sociedad española del siglo XVI contra los judíos.

Como toda leyenda, la historia se perpetúa hasta la actualidad. Hábilmente el autor nos trae desde el siglo XVI hasta la Salamanca del siglo XXI. Crea una nueva leyenda con sus lugares particulares que cualquiera puede visitar. Una acertada aportación al imaginario colectivo de una ciudad de por sí plagada de extraordinarias narraciones, lugares mágicos donde se aparecía el diablo o calles testigo de milagros.

Tal y como dice su autor acertadamente “La leyenda del cantero de Salamanca” es un homenaje a la ciudad de Salamanca y sus habitantes, pero yo añadiría como he dicho más arriba que también es una gran aportación a su imaginario colectivo.

 

Pablo A. García Malmierca

 

Alberto Rubio Blanco (autor), Andrea Acedo Bueno (ilustradora). La leyenda del cantero de Salamanca. El Desván, Salamanca: 2016. ISBN: 978-84-945738-9-7

http://www.desvaneditorial.com

La esperanza tiene forma de delfín. Reseña de “El merodeador” de Vicente Muñoz Álvarez.

Escribir sobre un libro de Vicente Muñoz Álvarez puede convertirse en un ejercicio de introspección del que, como lector, uno puede no salir ileso. Alrededor de El merodeador crecen enredaderas que desde nuestros pies ascienden hasta lo más profundo de nuestro cerebro y corremos el riesgo de que se mantengan allí mucho tiempo, tirando de nosotros hacia el suelo primigéneo de nuestros más ocultos miedos y fobias.

El merodeador nos plantea un viaje interior hacia un mundo plagado de preguntas, existenciales en su mayor parte. ¿Es el mundo como lo vemos o como lo sentimos? ¿Qué puedo esperar de la realidad, a parte de ansiedad? ¿Qué nos domina, el pensamiento o la acción? ¿Es el sueño la salvación a nuestros males? ¿Cuál es el lugar de la pérdida de la identidad? ¿Existe un mundo fuera del que nosotros creamos?

Pero sobre todas estas preguntas, sobre todos los relatos que componen el libro sobrevuela una obsesión. Igual que Cthulu habita en el fondo del mar esperando el momento de emerger, en nuestro subcosnciente viven, latentes, esperando su momento nuestros miedos más ocultos. Podríamos hablar de El merodeador como un catálogo de los horrores que acompañan al hombre moderno en su día a día: la soledad, el miedo a la muerte, las obsesiones, la locura, la pérdida del ser amado, la alienación del trabajo que nos encarcela…

En este texto encontramos ricas referencias literarias y cinematográficas recuerdos a El corazón delator, las obsesiones del Bernhard más angustiado de Corrección, partes oscuras de nuestra mente que emergen a la realidad como el asesino más despiadado de un slasher que armado de paciencia espera a su víctima agazapado hasta encontrar el momento adecuado para asestar su cuchillada.

Aunque sea un libro de relatos, todo gira alrededor de la idea central del individuo fragmentado, vacío, víctima del insomnio más recalcitrante. Un individuo que podríamos decir vive en un universo propio, un universo concentrado en ocasiones en el interior de una caja de zapatos, del que emergen como vías de salvación delfines y mundos paralelos que se despliegan hasta construir un todo narrativo donde la técnica de las cajas chinas lleva el texto desde la ficción hasta una realidad creada o mejor dicho recreada desde la subjetividad del narrador-escritor-espectador.

El libro, como todo lo que escribe Vicente Muñoz, tiene una fuerte carga autobiográfica lo que aumenta su crudeza. Leemos así de forma diferente frases como: “nuestra vieja unión necesitará consumirse para resurgir luego fortalecida de sus propias cenizas”. La esperanza de la reconstrucción está presente a lo largo de todos los relatos. Frente a la culpa, el insomnio, los pasos nocturnos, siempre hay una esperanza como el delfín que se salva de morir encallado en una playa, como la relación muerta por el alcohol , como la cordura perdida en la miasma de las fobias, como la lluvia que algún día cesará.

Un libro muy recomendable de uno de los adalides del underground literario en España. La oportunidad de leer buena literatura alejada de los ya ajados caminos del mainstream, literatura en estado puro, como un golpe directo a la mandíbula.

Muñoz Álvarez, Vicente. El merodeador. Acvf, 2016.

http://www.acvf.es/?p=2276

El merodeador

El mundo puede tener

forma

de caja de zapatos.

Incluso

en ese rectángulo

pueden caber

otras realidades.

Entre los intersticios de esos muros,

golpean,

cadenciosos,

los pasos agónicos de tu otro yo.

Al retirar la tapa

te salpicará

un delfín arrodillado,

un suicida oculto en una carta,

un doctor apuntándote

con un tensiómetro en la sién.

Nada es lo que parece

o

quizás

todo tenga la lógica de la locura.

 

Pablo Malmierca

 

El corazón sangrante. Reseña de “Dos cuervos de platino” de Ibai Pascual.

Ibai nos propone un reto cuando nos acercamos a Dos cuervos de platino. Físicamente es un libro sin nota editorial, sin contraportada, sin nota del autor. Nos invita a leer su poemario sin ninguna carga, por toda pista en la portada aparece Odín, flanqueado por sus dos cuervos Hugin (pensamiento) y Mugin (la memoria), y sus dos lobos Geri y Freki (que podríamos interpretar como el alimento y la carne).

Armados con este escaso bagaje nos adentramos en un poemario cuyo tema central es el desengaño amoroso, asistimos a un escenario nocturno que nos recuerda a la “Noche oscura del alma” de Fray Luis de León:

En la noche dichosa,

en secreto, que nadie me veía,

ni yo miraba cosa,

sin otra luz y guía,

sino la que en el corazón ardía.

En este libro hay también mucha pasión, el cuerpo de la amada es tierra fértil y en muchas ocasiones se viste de paisaje: higueras, arroyos… Pero no debemos olvidar que es un poemario sobre el desamor, continuamente actúan la memoria y el pensamiento que se adueñan del presente haciéndolo más doloroso con el recuerdo de la opulencia de días pasados. Aquí intervienen el alimento y la carne; el cuerpo se alimenta del recuerdo del encuentro carnal, pero también del oprobio, del engaño, de la continua huida hacia adelante. Tanta desolación y dolor llevan a la voz poética al borde de la crisis, de la pérdida de la razón.

Ibai crea un paisaje interior que se construye y destruye desde dentro, fruto de la subjetividad que domina un universo propio, donde tienen cabida imágenes sorprendentes como “fresas de esparto” o “mares encendidos”.

Estamos ante una obra pasional tanto en el contenido como en la forma. Ese paisaje destruido podrá ser reconstruido desde la perspectiva del niño, cuando comprendamos que nada era lo que parecía, cuando sepamos que la percepción nos ha engañado, podremos llegar a comprender que la reconstrucción es posible.

Finalmente estamos ante una poesía rupturista, desde unos preceptos clásicos: versos medidos, rima, uso de estrofas clasicistas. Pasamos a versos de carácter popular con rima asonante en los pares. Se da cabida a una forma de versificación que alterar en muchos casos el decurso habitual del verso, se produce, de forma intencionada una cesura, marcándola con una coma que rompe el ritmo habitual. Es este un recurso habitual en el poeta, versos que así pausan su ritmo aportándoles una cadencia característica; el soneto no parece soneto en la declamación. No duda en introducir recursos propios de la poesía urbana actual, como el uso de las asonancias que van más allá de la rima (extensión-pretensión); que aportan al poemario frescura frente al uso del hipérbaton o la utilización de un vocabulario en muchos casos clasicista.

Esta combinación original de recursos técnicos y lingüísticos dan a la poesía de Ibai un toque de frescura que queda atemperado por el acertado uso de la mitología y de la alegoría.

Nos encontramos, pues, ante un poemario de formación o aprendizaje, donde el autor busca nuevos caminos a través de formas clásicas con claras conexiones con los autores del Siglo de Oro, a los que añade otras formas más populares integradas tanto en la tradición como en la más moderna poesía urbana.

Quizá para puristas de la forma estrófica no sea un poemario del todo redondo, pero quien busca nuevos caminos debe explorar los ya transitados y renovar siempre es un riesgo. En Ibai Pascual se adivina un poeta que podrá devenir en un autor innovador o en autor de corte clasicista. En su mano está la decisión.

Quiero terminar con mi visión poética de su poemario:

Geri y Freki

Falla la memoria
cuando buscas el origen del sentimiento.
Fracturan la mente
tus recuerdos insomnes.
Incrustada en un paisaje lactante
la noche se derrama,
atrapada,
en el borde de tu abismo.

En el frenesí de la huida
quedas preso
del ritmo de tus versos,
de la sombra de sus pasos,
de la crisis de su fuego.

Buscas ansionso la carne
que te proporcione el alimento
necesario
para superar la soledad de tus noches,
la ausencia de tus días.

Sentado en tu trono,
tus cuatro avatares
acompañan
el dolor de una ausencia
dolorosa y seca.

Las higueras
darán tarántulas por frutos.

 

Pablo Malmierca

Reseña de mi poemario “dD”

Os dejo el interesante análisis que de mi poemario “dD” ha realizado el poeta Ibai Pascual  en su blog “el hambre del soneto”.

Reseña “Donde mueren los recuerdos” de Eva Delgado

Cuando nos acercamos a un libro solemos leer la contraportada para hacernos una idea. Sin embargo, Donde mueren los recuerdos es mucho más. En palabras de Amelia, su protagonista…

Esa misma noche inventé el lugar donde mueren los recuerdos. Un rinconcito dentro de mi corazón donde metí la historia de mi vida para que dejara de dolerme.

Allí, donde mueren los recuerdos, el tiempo se detiene donde uno quiere; los relojes se atrasan y deciden olvidarse de cantar sus monótonas campanadas, la vida deja de sangrar para curar viejas heridas y poder seguir caminando, aunque sea a deshoras, por los senderos que el propio futuro traza para nosotros. Las alas crecen en la espalda para invitarte a alzar el vuelo y ser libre. No existen los golpes, no hay hijos muertos resbalando por las piernas, las marcas de las palizas desaparecen para dejar paso a los besos, los abrazos, el amor.

Esta hermosa definición realizada en un lenguaje tan esmerado es Donde mueren los recuerdos. Una novela intensa, de sentimientos. Aunque no se queda ahí, es también una novela histórica que entrecruza hábilmente los acontecimientos ocurridos en el período de entresiglos (XIX y XX), la historia de Alfonso XIII y los intentos anarquistas por acabar con la vida del rey. Unido a una precisa descripción del Valladolid de la época, que abarca desde la provincia a la propia capital.

Estos mimbres que construyen un macrocosmos espacio-temporal de carácter histórico se van mezclando con el microcosmos que constituye la vida de Amelia y su marido José.

En esta novela, por tanto, confluyen dos mundos: el privado, centrado en la dura relación de Amelia con su marido, historia de malos tratos y vejaciones que desembocará en un final igual de apasionante; y, por otro, el espacio público que viaja desde el Valladolid de provincias hacia Madrid y por extensión a la historia de la España finisecular.

Esta novela ha exigido a su autora un doble proceso de documentación: el histórico y el psicológico de los malos tratos. Y en ambos ha salido victoriosa.

Pero, además, la historia narrada tiene sus referentes literarios. Por sus páginas deambulan Baroja o Azorín. Aunque el gran referente de Donde mueren los recuerdos es Cumbres borrascosas, aparecen continuas referencias. Incluso para Amelia, José es un trasunto de Heathcliff.

El lenguaje de Eva Delgado es sencillo, lo que otorga a la novela un ritmo ágil de lectura, una lectura asequible y que engancha. Aunque a la autora, también poeta, elige siempre la palabra adecuada para embellecer el lenguaje propio de la prosa con acertadas metáforas.

Estamos ante una novela escrita en segunda y primer persona, todo un riesgo de estilo. Eva cede su voz a Amelia que utilizando un recurso de honda raigambre en nuestra literatura: la novela epistolar, recuérdese el Lazarillo. Comienza con Amelia escribiendo su historia en forma de carta a su maltratados, a José. Esta técnica encuadra toda la narración y le da un sentido preciso. Somos testigos de la confesión, o más bien denuncia, de la mala vida que José le dio a Amelia. Esta forma de narrar, a mi modo de entender, resulta un acierto pues nos acerca a la situación anímica de Amelia, que descarga su discurso sobre su maltratador, del que somos testigos en primer plano.

En definitiva, una novela intensa, de sentimientos, hábilmente entretejida en la historia de España. De lectura ágil que, de ningún modo, nos dejará indiferentes.

 

Eva Delgado, Donde mueren los recuerdos. Piediciones: Alcalá de Henares, 2016.

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